t

Толкование сновидения

​

1. *Пурга. Вид собора Воскресения Христова на Крови́ в Санкт-Петербурге.

Современная фотография Собора Воскресения Христова на Крови́ или храма Спаса на Крови́ в Санкт-Петербурге. Это православный мемориальный однопрестольный храм во имя Воскресения Христова; сооружён в память того, что на этом месте 1 (13) марта 1881года в результате покушения был смертельно ранен император Александр II (выражение на крови указывает на кровь царя). Храм был сооружён как памятник царю-мученику на средства, собранные по всей России.

​

2. *Государственный Эрмитаж.

Современная фотография Государственного Эрмитажа. Дворцовая набережная Невы и Дворцовая площадь в Санкт-Петербурге называются так, потому что в этом месте был построен Зимний дворец — в прошлом главный императорский дворец России. Нынешнее здание дворца (пятое) построено в 1754 — 1762 годах архитектором итальянского происхождения, академиком, представителем так называемого елизаветинского барокко Графом Бартоломео Франческо Растрелли (1701 — 1771). Зимний дворец был построен в стиле пышного елизаветинского барокко с элементами французского рококо в интерьерах. Барокко (итал. barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. pérola barroca — «жемчужина неправильной формы (дословно «жемчужина с пороком»). Существуют и другие предположения о происхождении слова «барокко», характеризующего европейскую культуру XVII — XVIII веков, центром которой была Италия. Начиная с советского времени, в стенах дворца размещена основная экспозиция Государственного Эрмитажа. Эрмитаж — это место, где живёт сказка…

​

В поэме «Эрмитажный сон», ниже приведённые изображения экспонатов принадлежат Государственному Эрмитажу и взяты по разрешению из официального сайта Эрмитажа: http://www.hermitagemuseum.org/wps/portal/hermitage/.

Изображения экспонатов опубликованы в сети интернет Поповым Е. С. на сайте по адресу: http://kolos1953.wixsite.com/popovevgeniu, на страничке с названием сказки.   

​

Первая часть

​

Эпоха Возрождения или Ренесса́нса (примерные хронологические рамки эпохи XIV — XVI века), пришедшая на смену Средним векам, менялась новым этапом в истории западноевропейского искусства.

Укреплялись национальные государства Европы, на смену умирающему феодальному строю шел капитализм. Нарастало недовольство народных масс своим положением. В странах с развитой промышленностью и торговлей (Англия и Голландия) буржуазные революции завершились победой нового общественного строя. Борьба с феодализмом была направлена и против католической церкви, стоявшей во главе реакционных сил.

Стиль барокко появился в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «западной цивилизации», когда огромное количество времени стало уделяться развлечениям: вместо паломничеств — променад (прогулки в парке); вместо рыцарских турниров — «карусели» (прогулки на лошадях) и карточные игры; вместо мистерий — театр и бал-маскарад. Можно добавить ещё появление качелей и «огненных потех» (фейерверков). В интерьерах место икон заняли портреты и пейзажи, а музыка из духовной превратилась в приятную игру звука. В эпоху барокко отвергаются традиции и авторитеты, опирающиеся на суеверия и предрассудки. В эту сложную эпоху складывалась новая культура, давшая миру великих ученых — Галилея, Лейбница, Ньютона, философов — Бэкона, Спинозу, Декарта, писателей — Шекспира, Сервантеса, Мольера.

С развитием науки и налаженностью быта, а так же наплыве из Америки богатств, умирала сложная психология средних веков, выросшая когда-то на смешении диких народов, нахлынувших на древний Рим. С прежней латинской культурой умирала в агонии церковная философия.

Правители и католическая церковь стремились использовать искусство в своих интересах для укрепления власти, пропагандируя с его помощью свою силу и мощь. Поэтому, укрепляя в народе веру, искусство барокко было наиболее развито в странах с католической религией, и высшие достижения которого связаны главным образом с такими странами, как Италия, Испания, Голландия, Фландрия и Франция.

Живопись в искусстве барокко занимала особое место. В ней появились новые жанры и темы. Теперь художники использовали для своих произведений не только религиозные и мифологические мотивы, но и темы, связанные с реальностями окружающей жизни. Мастера барокко использовали в своих произведениях в основном теплые оттенки и плавные цветовые переходы, умело применяли светотеневые эффекты и контрасты светлых и темных тонов. Их картины отличаются напряженным драматизмом; позы героев неустойчивы, жесты и движения резки и преувеличенно выразительны. Возведенные к небу очи святых и мучеников, невероятно изогнутые тела персонажей в мифологических композициях должны были усилить впечатление от изображенного на полотне и заставить зрителя сопереживать героям.

Условно живопись барокко можно разделить на три части в зависимости от того, кто был ее заказчиком: церковную, придворную, буржуазную. Церковная живопись характерна для Испании, придворная свойственна Фландрии, а буржуазная — Голландии, которая в то время имела наиболее прогрессивный общественный строй.

​

3. * Часы «Павлин».

Часы «Павлин» — часовой автомат, который сделал в своей мастерской английский механик Кокс, Джеймс. Часы постоянно экспонируются в Павильонном зале Малого Эрмитажа. Эти уникальные часы изготовлены в Великобритании, в Лондоне в 1770-е годы. Материал: бронза, серебро, стразы, золочение. Уникальность этих часов заключается в том, что они до сих пор находятся в рабочем состоянии и заводятся каждую среду в 20:00.

По мнению специалистов Государственного Эрмитажа, это единственный во всём мире крупный автомат XVIII века, дошедший до нашего времени без изменений. Часы были куплены в 1788 году Григорием Потемкиным из имущества герцогини Елизаветы Кингстон.

Часы изображают сад, но не живой, а механический, оживающий по воле человека, когда их заводят. Каждый предмет этого сада имеет свое скрытое символическое значение.

Сова олицетворяет ночь, разум и непредсказуемое мышление. Она заперта в ажурной клетке, сдерживающей ее темную силу. Подпрыгивающая стрекоза символизирует мимолетность существования.

Рядом разместились две солнечные птицы - петух и блистающий красотой оперенья павлин. Петух - символ рождения новой жизни, а раскрытый хвост павлина означает солнечный диск, который быстро превращается в луну. По легенде, павлин – это любимая птица богини Геры, владычицы неба, покровительницы семьи и брака, обитающей на священном дереве верховных богов – дубе.

Часы «Павлин» заставляют задуматься о смысле жизни и быстротечности времени. Время, проведённое в Эрмитаже — это золотое (божественное), павлинье чудо красоты.

4. *Иорданская лестница.

Современная фотография Иорданской лестницы. Парадную лестницу в северо-восточной части Зимнего дворца в XVIII веке называли Посольской, затем она получила название Иорданской, так как по ней во время праздника Крещения Господня спускался крестный ход к Неве, где во льду вырубалась для освящения воды прорубь — иордань.

 По Посольской (Иорданской) Лестнице послы иностранных государств поднимались в парадные залы для аудиенции. Она ведет к анфиладе парадных залов, где проходили торжественные церемонии и придворные празднества.

Убранство лестницы отражает особенности русского барокко. Ступени и резная балюстрада выполнены из белого каррарского мрамора. Убранству стен, их изящной скульптуре и позолоте эффектно противопоставлены гладкие колонны из серого сердобольского мрамора, расположенные на верхней балюстраде. Уничтоженная пожаром 1837 года, лестница была воссоздана Василий Пептрович Стасовым (1769— 1848) — русским архитектором, одним из основоположников русского ампира. Ему при восстановлении этой половины дворца удалось сохранить основной замысел Растрелли. Тем не менее, вместо колонн из розового искусственного мрамора по приказу императора были установлены сдвоенные колонны серого сердобольского гранита; вместо кованых золоченых решёток перил появилась мраморная балюстрада; воинские атрибуты в тимпанах ложных окон также носят классицистский, а не барочный характер. К тому же ведущим цветом лестничного пространства взамен розового стал белый. 

Ампир (фр. style Empire — «имперский стиль») — стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. 

Классицизм (фр. classicisme от лат. classicus «образцовый») — художественный стиль и эстетическое направление в европейской культуре XVII — XIX веков., как определенное направление сформировался во Франции в XVII веке. Французский классицизм утверждал личность человека как высшую ценность бытия, освобождая его от религиозно-церковного влияния. В основе классицизма лежат идеи античности, нашедшие яркое выражение в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Чудесная Иорданская лестница — путь в сказочное пространство…

​

5. Георгиевский зал.

Бумага, акварель, 1862 год, размеры: 30,2x40,6 см. Автор: Ухтомский, Константин Андреевич (1819 — 1881) — русский художник-акварелист, мастер интерьерной живописи, архитектор, академик Императорской Академии художеств.

Георгиевский (Большой тронный) зал создан в 1787 — 1795 годах по проекту Джа́комо Анто́нио Доме́нико Кваре́нги, (1744 — 1817) — архитектором итальянского происхождения,  плодовитым представителем палладианства (ранняя форма классицизма) в русской архитектуре. Он был почётный вольным общником Императорской Академии художеств. После реставрации Георгиевский зал был освещен 26 ноября 1795 года в день Святого Георгия Победоносца. Помещение выполнено в классическом стиле. Этот грандиозный по площади (около 800 кв. м.) двусветный зал выглядел чрезвычайно торжественно: расположенные вдоль стен парные колонны делали его похожим на античный храм. В оформлении был использован только натуральный мрамор белого, серого, розового и голубоватого оттенков, позолоченные детали и яркий живописный плафон. Вблизи трона в полукруглых нишах продольных стен стояли аллегорические статуи «Вера» и «Закон», символизирующие основы, на которых зиждется российская государственность. Расположенный за ним Аполлонов зал стал переходом в Картинную галерею, которая находилась в здании Малого Эрмитажа. Кваренгиевская отделка была полностью уничтожена во время пожара 1837 года. По указанию императора Николая I при восстановлении зала архитектором В. П. Стасовым и Н. Е. Ефимовым использован белый мрамор. Под залом располагались кухни с подсобными помещениями. В западном углу был устроен подъёмник для доставки пищи из главного буфета, разместившегося в антресольном этаже под залом. Это место и сейчас легко обнаружить по характерным конструкциям паркета. В подвале был устроен главный ледник дворца. Но из-за находившихся рядом пневматических печей лёд преждевременно таял, создавая сырость, поэтому в 1855 году ледник был упразднён.

Ныне Георгиевский зал высочайшего волеизъявления — это только исторический артефакт.

​

​6. Павильонный зал Малого Эрмитажа.

Бумага, акварель, 1864 год, размеры: 35,1x41,3 см. Автор: Кольб, Александр Христофорович (1819 — 1887) — художник-акварелист и архитектор, академик перспективной живописи Императорской Академии художеств.

Павильонный зал был создан в 19 веке в Северном павильоне Малого Эрмитажа русским архитектором Андреем Ивановичем Штакеншне́йдером (1802 — 1865), спроектировавшим ряд дворцов и других зданий в Санкт-Петербурге и Петергофе. Павильонный зал — одно из великолепных творений, которое отличается изяществом, изысканностью и гармонией. В его убранстве тесно переплелись античные, мавританские и ренессансные мотивы. Широкие окна, светлый мрамор с позолотой лепного декора и нарядный блеск хрустальных люстр наполняют помещение светом и воздухом. Разве такая красота не чудо?!

Легкие белоснежные колонны, ажурные золоченые решетки и двухъярусные аркады напоминают интерьеры восточных дворцов. В полукруглой нише расположены овальные медальоны с живописными вставками. На стене фонтаны-раковины – вариации Бахчисарайского фонтана слез в Крыму. Декоративные столы украшены мозаичными столешницами работы итальянских мастеров XIX века, на полу – копии мозаики, найденной в окрестностях Рима, изображающей голову медузы Горгоны и фантастические сцены античной мифологии. Убранство зала дополняют изящные статуи из белого мрамора и золоченой бронзы.

​​Идея строительства Нового Эрмитажа, объединившего в своих стенах художественные сокро­вища императорской короны, рассредоточенные прежде по собраниям Малого и Старого Эрми­тажей, Таврического, Аничкова, Царскосельского, Петергофского и остальных царских дворцов, принадлежала императору Николаю I, по указу которого в 1842 —51 годах неподалеку от Зимнего дворца был возведен новый музей, дополнивший архитектурный облик пе­тербургской императорской резиденции. Проект здания исполнен известным архитектором Лео фон Кленце (1784 — 1864) — автором двух знаменитых мюнхенских музеев — Пинакотеки и Глиптотеки, сооруженных для размещения живописных и скульптурных коллекций бавар­ского короля Людвига I. В 1838 г. их посетил Николай I и, находясь под сильным впечатле­нием от увиденной красоты, заказал у Кленце спроектировать музеум в Санкт-Петербурге. Российский монарх поставил перед зодчим задачу, превосходившую по масштабу и сложно­сти решения все прежние проекты автора. В Новом Эрмитаже, первом художественном музее России, должны были воплотиться самые передовые представления о музее как об универ­сальном вместилище художественного опыта человечества. Огромные коллекции предполага­лось разместить в нём согласно четкой системе и методике, позволявшей получить макси­мально полные сведения об истории мирового искусства. Кроме того, согласно воле Николая I, фасады и интерьеры Императорского музеума должны были иметь парадный облик, подобаю­щий статусу императорской резиденции, частью которой он стал и быть первым в России зданием, специально построенным для публичного художественного музея. Эта часть музейного комплекса Государственного Эрмитажа многим известна своим  внешним видом — портиком с десятью гигантскими статуями атлантов.

​

7. Зал итальянской школы Нового Эрмитажа.

Бумага, акварель,1853 год, размеры: 33,8x41,5 см. Автор: Гуа, Эдуард Петрович (1807 — 1887) — русский художник, мастер архитектурной акварели.

Зал итальянских школ Нового Эрмитажа — один из залов, которые посвящены искусству Италии. Они освещают практически весь период живописи страны, начиная от самых истоков. Здесь находятся настоящие шедевры, громкие имена авторов которых даже в наше время будоражат умы любителей прекрасного искусства. Перечислить всех итальянских мастеров живописи, архитектуры, ювелирного и прочего мастерства не представляется возможным по причине их многочисленности. Можно назвать только выдающихся творцов.

Раннее венецианское барокко в Эрмитаже представляю величайшие художники истории искусства — Тинторетто, Якопо (1518-1594), Веронезе, Паоло (1528 — 1588). Представлен в Эрмитаже итальянский живописец, гравёр и скульптор Лодовико Карраччи (1555 — 1609) —один из ярчайших представителей болонской школы, которую он его два племянника  создали в Балонье. Эта школа привнесла новый принцип в художественное творчество: эклектизм.  Художественное потомство их оказалось огромным, поскольку все европейские академии повели свое начало от их болонской школы.

Среди учеников академии в Балонье был Гвидо Рени (1575 — 1642), работавший в Риме в начале XVII в. Этот ученик Карраччи в Эрмитаже представлен исчерпывающе.

А вот уникальное творчество Микеланджело да Караваджо, который родился в 1573 году в Ломбардии, представлено всего одной картиной. Художественное образование он получил в Милане и поселился в Риме. Живописец пользовался покровительством кардинала дель Монте. В 1660 году во время игры в мяч Караваджо поссорился с одним из участников развлечения и убил его на дуэли. Скрываясь от правительства, художник вынужден был бежать в Неаполь, а затем — на остров Мальта. После ссоры с одним из представителей местной знати ему пришлось уехать на Сицилию. В 1608 — 1609 гг. Караваджо скрывался от наемных убийц. В Неаполе художнику не удалось избежать нападения, во время которого он был ранен. В 1610 году Караваджо отправился по морю в Рим, надеясь на прощение Папы, но, не добравшись до конечного пункта, был ограблен перевозчиками и умер от малярии.

Большой популярностью в XVII веке в Неаполе пользовался Сальватор Роза (1615 — 1673) — итальянский живописец, гравер, поэт и музыкант, чье имя связывают с появлением в живописи романтического пейзажа. Смелая, подчас даже несколько резковатая, волнующая зрителя манера письма Розы (контраст света и тени, детали пейзажа, яркая экспрессия общей композиции) была позднее продолжена в искусстве художниками-романтиками. Тем же тревожным и мятежным характером отличаются и почти все натюрморты, созданные Розой. В Италии того времени большой популярностью пользовались картины-натюрморты Паоло Порпора (1617 — 1673) и Джузеппе Рекко (1634 — 1695). Их полотна привлекали зрителей почти ощутимой реальностью выведенных образов. Создавалось впечатление, будто бы цветы, рыбы, фрукты не нарисованы, а просто перенесены на стену, приклеены к ней. Под впечатлением в единственном эрмитажном полотне Порпоры «Цветы» таиландский мальчик, там во время выставки, непреднамеренно сделал дыру размером с кулак.

Ярким представителем романтического течения в итальянской живописи XVII веке был Маньяско, Алессандро (Лиссандрино), работавший в Милане и Флоренции. Он писал портреты, композиции на мифологические и религиозные сюжеты, но любимыми его жанрами были пейзажи и бытовые сцены. Яркие натуралисты: Гверчино (1591 — 1661) — «косоглазый» по прозвищу, настоящее имя Джованни Франческо Барбьери, Эклектика Доменико Фети (1589 — 1624) и другие.

В Италии в XVII веке переживала расцвет фресковая живопись, которая, разумеется, представлена на стенах грандиозных сооружений Италии.

Нельзя не упомянуть художника, который был самым верным последователем Караваджо, который поселился в Неаполе и сделал из этого города своего рода твердыню «натурализма» —  это испанец Рибера, Хусепе (1591 — 1652), представленный в Эрмитаже рядом картин.

​8. Зал испанской школы.

Бумага, акварель, 1856 год, размеры: 33,5x42,1 см. Автор: Гау, Эдуард Петрович. 

Зал испанской школы Нового Эрмитажа, в котором находится часть коллекции испанских художников. Коллекция XV — начала XIX века насчитывает более ста шестидесяти полотен и является самой многочисленной за пределами Испании. Наиболее известные в мире испанские художники раннего периода Эль Греко, Веласкес и Гойя представлены в Государственном Эрмитаже всего несколькими полотнами.

Наивысшего расцвета испанская живопись достигла в XVII веке, который называют Золотым веком испанского барокко. Однако изображение человека в Испании ограничивалось, по большей части, религиозной тематикой, и единственным светским жанром, который поощрялся, был портрет.
В этот период в Испании действовало огромное количество монашеских орденов, имевших большую материальную и духовную власть. Именно они выступали основными заказчиками произведений искусства. Кроме того, в первой половине XVII века в Испании было слабо развито ремесло, и фрески при украшении храмов замещали станковой живописью.

Три великих испанских художника Золотого века —  это уже упомянутый Хосе де Рибера, которого Итальянцы прозвали «Спаньолетто» («испанчик»), а также Франсиско де Сурбаран (1598 — 1664) и Бартоломе Эстебан Мурильо (1617— 1682). Удивительны обстоятельства их жизни, удивительно и творчество, которому присущи характерные черты живописи испанского периода: преобладание остроты наблюдения натуры над художественным воображением; концентрация внимания на человеке, порой с исключением других пластов восприятия реальности.

9. Зал голландской и фламандской школ.

Бумага, акварель, 1857 год, размеры: 31х41см. Автор: Гау Эдуард Петрович. 

Зал голландской и фламандской школ по первоначальному замыслу Нового Эрмитажа предназначался для занятий копиистов. Его незаполненные картинами стены были расписаны орнаментом, следы которого обнаружены в ходе одной из последних реставраций. Во второй половине XIX века в зал были помещены картины голландской и фламандской школ, разделённых в названии. После гибели в 1482 году Марии Бургундской, дочери последнего герцога Бургундии Карла Смелого, большая часть Бургундских Нидерландов перешла к её сыну Филиппу I Красивому Габсбургу, женатому на Хуане, наследницей испанских монархов Фердинанда Арагонского и Изабеллы Кастильской, которые создали испанскую инквизицию — суд для поддержки чистоты католической веры. В настоящее время бо́льшая часть территории исторической Фландрии входит в состав Бельгии, небольшая часть — в состав Франции, часть — в состав Нидерландов.

Художественный центр из Италии в те времена переместился на север Европы, где возникла новая живопись. Художники обратились к теме человеческого бытия. В творчестве мастеров смелая композиция, динамичность, обилие эффектных деталей, сочетаемых с контрастной светотенью, сочной, насыщенной палитрой. Мощные фигуры персонажей написаны энергичными мазками, благодаря динамике обычные жанровые сценки приобрели характер значительного события. Спустя столетие в живописи наступил период истинного реализма, к которому питали пристрастие многие голландские мастера. Эрмитажная коллекция голландской живописи насчитывает свыше 1000 картин и занимает одно из первых мест в мире по количеству шедевров и имен, в том числе и самых редких. Картины голландских художников занимают шесть залов Нового Эрмитажа, самым большим, из которых является Шатровый зал, где располагается основная экспозиция живописи так называемых малых голландцев. В Эрмитаже представлены работы ведущих мастеров различных жанров, получивших широкое распространение в искусстве Голландии XVII столетия: пейзажистов Яна ван Гойена и Якоба Рейсдала, мастеров бытового жанра Яна Стена, Герарда Терборха, Питера де Хоха, Андриана и Изака ван Остаде, анималиста Пауля Поттера, возможно, величайшего представителя этого жанра на протяжении всей его истории, мастеров натюрморта Виллема Класса Хеды и Виллема Калфа, портретиста Фраса Хальса. Немного приукрашенная действительность стала главной темой картин и величайших художников: Рембрандта, Рубенса, Ван Дейка, Йорданса, Снейдерса. И последней великолепнейшей пятерке не обойтись без дополнительных комментариев…

​​

10. Зал немецкой школы.

Бумага, акварель, 1860 год, размеры: 30,3х32,8 см. Автор: Гау, Эдуард Петрович.

В зале немецкой школы находится часть собрания немецкой живописи, отличающейся жанровым и стилистическим разнообразием. Работы художников всех ведущих школ дают достаточно полную картину искусства Германии этого периода. К лучшим полотнам XVII века относятся эффектная «Аллегория Мира, Искусства и Изобилия» Ханса фон Аахена (1552 — 1615) — придворного художника-маньериста Рудольфа II и небольшая работа на меди «Св. Христофор», Адама Эльсхеймера (1578 — 1610). Коллекцию картин, которым удалось сохранить черты национального своеобразия и яркую индивидуальность, дополняет художник Шёнфельд, Иоганн Генрих (1609-1684) и своеобразный живописец Паудис, Христофер (ок. 1618 — 1666), находившегося под сильным влиянием искусства великого голландца Рембрандта.

Эти и другие имена представителей немецкой культуры менее известны обширной публике, чем признанные Итальянские, Французские и Голландские, но одно имя известно всем. Екатери́на II Алексе́евна Вели́кая (урождённая Софи́я Авгу́ста Фредери́ка А́нгальт-Це́рбстская) — императрица Всероссийская с 1762 по 1796 год.

С именем Екатерины Великой, правившей страной на протяжении 34 лет, связана вся история России второй половины XVIII века. Она была одним из самых сильных и успешных монархов Европы своего времени. При Екатерине Великой границы Российской империи были значительно раздвинуты на запад (разделы Речи Посполитой) и на юг (присоединение Новороссии, Крыма, отчасти Кавказа). Система управления государством при Екатерине II впервые со времени Петра I была реформирована. В культурном отношении Россия окончательно вошла в число великих европейских держав, чему немало способствовала сама императрица. Она увлекалась литературной деятельностью и состояла в переписке с французскими просветителями. В целом политика Екатерины и её реформы вписываются в русло просвещённого абсолютизма XVIII века.  Императрица   приняла самое активное участие в коллекционировании произведений выдающихся мастеров искусства и не жалела средств на пополнение своей коллекции. Уже в 1764 году Екатерина инициирует строительство для своей коллекции Малого Эрмитажа, и ещё до окончания строительства эрмитажных галерей (1775г.) ей стало ясно, что это здание будет слишком мало для её постоянно увеличивающейся коллекции. Поэтому в 1771 году было решено приступить к постройке и Большого Эрмитажа. Включая знаменитые Лоджии Рафаэля, это здание возводилось в течение многих десятилетий. Оно было закончено только при Александре I.

​​​11. *Портрет Екатерины II перед зеркалом.

Холст, масло, Дания между 1762-1764 годов, размеры: 262,5х201,5 см. Автор: Эриксон, Вигилиус. Это одно из наиболее эффектных изображений Екатерины – портрет «Екатерина II перед зеркалом». Перед нами очаровательная светская дама и полноправная императрица с голубой Андреевской лентой через плечо. Её твердый, непреклонный профиль отчеканен в зеркале, как на монете. Жест правой руки красноречиво направлен на символы власти – корону, скипетр и державу, отражение которых поблескивает в зеркале, как будто удваивая силу их воздействия.

Иконография Екатерины II чрезвычайно обширна, даже если ограничить её только живописными произведениями. Они дают возможность проследить, как искусно императрица использовала их для прославления не только собственной персоны, но и государственных идей, а также грандиозных политических проектов.

Идеалом, героем и примером государственного деятеля для Екатерины был Петр I. Она постоянно провозглашала себя продолжательницей его дела, что означало проведение во внешней и внутренней политике его курса на создание империи с сильной центральной властью, развитой экономикой и активной внешней политикой. А после смерти императрицы

в 1833 году по проекту  Анри́ Луи́ Огю́ст Рика́р де Монферра́на (1786 — 1858) — архитектора, строителя Исаакиевского собора и Александровской колонны   был создан для приёмов, Посвящённый памяти Петра I, Петровский (Малый тронный) зал Зимнего дворца, и теперь каждое первоначальное знакомство с Эрмитажем начинается отсюда.

​​

12. *Портрет Петра I.

Холст, масло, после1717 года, размеры: 78х61см. Портрет Петра I нарисовал Матвеев, Андрей Матвеевич (1701 — 1739)  — русский художник, один из основателей портретного жанра в русской живописи. Талант юного художника заметил Петр Великий и послал учиться художественному мастерству в Европу. С 1716 года Андрей Матвеев в течение одиннадцати лет жил в Голландии и Фландрии. По возвращению в Россию уже после смерти первого российского императора, Матвеев был принят в штат Живописной команды Канцелярии от строений. С 1731 года Андрей Матвеевич Матвеев возглавил команду живописных мастеров и стал главным художником русского императорского двора в Санкт-Петербурге. Как руководитель Живописной команды Матвеев принимал участие во многих архитектурных проектах. Под его руководством проводилась роспись интерьеров Петропавловского собора, оформлялся живописный декор триумфальных ворот, созданных в честь прибытия в Санкт-Петербург императрицы Анны Иоанновны и многие другие работы в области монументальной живописи. Помимо росписей соборов, церквей и императорских дворцов, Матвеев писал аллегорические картины и замечательные портреты.

​​

13. Мадонна с младенцем (Мадонна Лита).

Холст (темпера перенесена с дерева), середина 1490 годов, размеры: 42х43см. Картина «мадонна с младенцем» (Мадонна лита) – одна из двух эрмитажных картин итальянского художника Леонардо да Винчи (1452 — 1519), представителя искусства Высокого Возрождения. Леонардо ди сер Пьеро да Винчи – яркий пример «универсального человека». Считается, что сохранилось около 15 картин, написанных Леонардо да Винчи (помимо фресок и рисунков). Пять из них хранятся в Лувре, по одной в Уффици (Флоренция), Старой пинакотеке (Мюнхен), Музее Чарторыйских (Краков), Лондонской и Вашингтонской национальных галереях, а также в других, менее известных музеях. Впрочем, некоторые ученые утверждают, что картин на самом деле больше, но споры по поводу атрибуции работ Леонардо — занятие бесконечное. В любом случае Россия держит после Франции твердое второе место. Картин с изображением Девы Марии написано так много, что самым известным принято давать прозвища. Нередко к ним пристает имя одного из прошлых владельцев, как и случилось с «Мадонной Литта».

Картина, написанная в 1490-х годах, долгие века оставалась в Италии и с 1813 года находилась в собственности миланской семьи Лита. Именно из этого рода происходил мальтийский рыцарь граф Джулио Ренато Литта, который был в большом фаворе у Павла I и, выйдя из ордена, женился на племяннице Потемкина, став миллионером. К картине Леонардо он, впрочем, отношения не имеет. Четверть века спустя после его смерти, в 1864 году, герцог Антонио Литта обратился в Эрмитаж с предложением купить несколько картин из фамильного собрания. Он очень хотел угодить русским, что прислал перечень из 44 предлагаемых на продажу работ и попросил представителя музея приехать в Милан, чтобы посмотреть галерею. Директор Эрмитажа Степан Гедеонов отправился в Италию и выбрал четыре картины, заплатив за них 100 тысяч франков.

В Россию картина прибыла в очень плохом состоянии, ее пришлось не только чистить, но и сразу переложить с доски на холст. Так в Эрмитаже появился первый Леонардо.

Важно отметить, что зачатки барокко содержатся уже в трех великих гениях Ренессанса — Леонардо, Микель Анджело и Рафаэле. Они высшая точка, но они и начало склона. С первых же десятилетий XVI века ряд художников уже вполне определенно являют новое настроение.

​

14. *Лютнист — одна из ранних картин Микеланджело Меризи да Караваджо.

Холст, мало, 1595 год, размеры: 94х119 см. «Лютнист» — одна из ранних картин Микеланджело Меризи да Караваджо, для которых нередко позировал его любимец Марио Миннити. Сам художник считал «Лютниста» наиболее удавшимся ему произведением.

Картина существует в трёх версиях: хранящаяся в Эрмитаже, Метрополитен-музее (США) и в английской усадьбе Бадминтон-хаус. Из них до недавнего времени общепризнанным было авторство только эрмитажного полотна; сейчас первой авторской версией сюжета считается полотно из Нью-Йорка, картина из Бадминтон-хаус — копия с эрмитажного.

На всех трёх версиях картины изображён очень молодой человек, почти мальчик, с мягкими чертами лица и густыми каштановыми волосами, аккомпанирующий себе на лютне. Андрогинный тип внешности давал исследователям повод предполагать, что моделью послужил кастрат (Тинкьери Камиц 1988).

На эрмитажном варианте картины на раскрытой странице партитуры легко читаются ноты басовой партии мадригала Якоба Аркадельта Voi sapete ch’io vi amo («Вы знаете, что я люблю вас»). На другой тетради начертано Gallus — имя одного из друзей Караваджо, миланского музыканта.

Караваджо одним из первых применил манеру письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени. Его творчество оказало большое влияние не только на итальянских, но и на иностранных художников, работавших в Риме. Последователи живописца распространили его манеру, получившую название «караваджизм», по другим европейским странам. Но, они не достигли вершины славы великого мастера.

​​

15. *Кухня ведьм.

Дерево, масло, 1606 год, размеры: 54,5х66,5 см. Автор: Франкен, Франс II (1581 – 1642) – фламандский художник эпохи барокко, один из наиболее известных мастеров фамилии художников, который внес свой вклад в развитие жанра «сцены с обезьянами» (по-французски это словосочетание означает «комическая гримаса, поведение или трюк»). Комические сцены с обезьянами, появляющимися в человеческой одежде и в окружающей человека среде, представляют собой живописный жанр, который впервые появился во фламандской живописи в последней четверти 16 века, а успешное развитие получил в 17 столетии. Франс Франкен Младший создавал и очень большие алтарные произведения. Среди его религиозно-тематических произведений особое внимание обращают необычные и стилистически «реакционные» картины библейских сцен. В своих работах он оставался невосприимчивым к творчеству Питера Пауля Рубенса, который оказывал сильнейшее влияние на фламандских художников того времени.

16. *Автопортрет Рубенса с сыном Альбертом (копия с утраченного оригинала конца 1610 гг.).

Холст, масло, не позднее середины XVII века, размеры: 135,5х112,2 см. Автор: Рубенс, Питер Пауль (Пьетро Пауло, 1577  – 1640) – крупнейший южнонидерландский (фламандский) живописец, воплотивший в своих произведениях подвижность, безудержную жизненность и чувственность. Рубенс один из основоположников искусства барокко, дипломат, коллекционер. Его творческое наследие насчитывает около 3000 картин, значительная часть которых выполнена в сотрудничестве с учениками и коллегами, крупнейшим из которых был Антонис ван Дейк. Сохранилась обширная переписка Рубенса, преимущественно дипломатическая. Он был возведён в дворянское достоинство испанским королём Филиппом IV (1624) и пожалован рыцарством английским королём Карлом I (1630) с включением геральдического льва в личный герб. С приобретением в 1635 году замка Стеен в Элевейте Рубенс получил титул сеньора.

Его творчество – сплав традиций брейгелевского реализма с достижениями венецианской школы. Рубенс специализировался на религиозной живописи (в том числе алтарных образах), писал картины на мифологические и аллегорические сюжеты, портреты (от этого жанра он отказался в последние годы жизни), пейзажи и исторические полотна, делал также эскизы для шпалер и книжных иллюстраций. В технике масляной живописи Рубенс был одним из последних художников, использовавших деревянные панели для станковых работ, даже очень больших по размеру.

17. *Храм Януса (Templum Jani).

Дерево (дуб), масло, 1634 год, размеры: 70х65,5 см. Автор: Рубенс, Питер Пауль (Пьетро Пауло). Храм Януса – некогда храм двуликого бога на римском форуме между базиликой Эмилией и курией. Внутри храм находилась бронзовая статуя Януса, а небольшая прямоугольная постройка имела двери, которые оставались открытыми вовремя войны и закрывались во время мира.   Поскольку война шла почти постоянно, времена, когда двери храма были закрыты, можно пересчитать по пальцам. К примеру, такое случалось при царствовании Нумы Помпилия, после окончания Первой Пунической войны, а также при императорах Октавиане Августе, Нероне и Веспасиане.
До наших дней храм не сохранился. Он был одним из самых легендарных храмов Римского форума – уникального места, сосредоточившего в себе все века римской истории. Каждая эпоха нашла свое отражение на этой большой площади. Сначала форум был местом торговли, потом здесь начали собираться богатые горожане, и постепенно он превратился в культурный и политический центр всей Империи. Сейчас римский форум представляет собой груду развалин, но каждый камень здесь – это часть истории.

​​

18. *Вакх.

Холст (картина перенесена с дерева), между 1638 — 1640 годов, размеры: 191х161,3 см. Автор: Рубенс, Питер Пауль (Пьетро Пауло). Дионис (др. греч.) Вакхос, Бахус — в мифологии младший из олимпийцев, бог растительности, виноградарства, виноделия, производительных сил природы, вдохновения и религиозного экстаза. Упомянут в «Одиссее». Вакх изображён в образе сидящего на бочке обрюзгшего молодого парня с поднятой чашей в руке. Его обнимает женщина, наливающая ему в чашу вино; при этом пролившееся мимо вино пытается поймать ртом пути. С другой стороны Вакха, спиной к нему, запрокинув голову, из амфоры пьёт вино Пан. (Пан — в древнегреческой мифологии сын бога Гермеса, покровитель пастухов, природы). Справа на переднем плане изображён мочащийся пути. (Пути   художественный образ маленького мальчика, очень часто встречающийся в искусстве Ренессанса, барокко и рококо).

​​​​

19. *Автопортрет.

Холст, масло, около 1622 — 1623 годов, размеры: 116,5х93,5 см. Автор: Ван Дейк, Антонис (1599 — 1641). Его автопортрет принадлежит к числу шедевров коллекции Эрмитажа. Ван Дейк южнонидерландский (фламандский) живописец и график, мастер придворного портрета и религиозных сюжетов в стиле барокко. Он поступил в мастерскую Рубенса девятнадцатилетним юношей. И ранние композиции художника на религиозно-мифологические темы исполнены под влиянием Рубенса, от которого он унаследовал большое живописное мастерство, умение воссоздавать формы натуры с типичным для фламандцев ощущением чувственной конкретности и достоверности. Дальнейшее развитие творчества ван Дейка становилось более индивидуальным. Композиции становились более экспрессивными, формы утонченными, манера письма изысканной и деликатной.

​​

20. Семейный портрет.

Холст, масло, 1621 год, размеры:113,5х93,5 см. Автор: Ван Дейк, Антонис.

Картина «Семейный портрет» наглядна эволюцией творчества художника Антониса ван Дейка, которая предвосхитила и определила путь развития фламандской школы живописи второй половины 17 столетия в направлении аристократизации и светскости. Художник исключительного дарования и таланта в лучших своих произведениях – в портретах людей разных сословий, социального уровня, разных по-душевному и интеллектуальному складу проникновенно отображал внутреннюю духовную сущность модели. Типические образы Ван Дейка дают представление о характере целой эпохи в истории Европы.

​

21. *Бобовый король.

Холст, масло, около 1638 года, размеры: 160х213 см. Художник Йорданс, Якоб (1593 — 1678) — ярчайший представитель фламандского барокко и автор многих представлений, брызжущих весельем и задором. Мастер был плодовитым, его художественное наследие составляет почти 700 работ.

В произведении «Бобовый король» показан существующий до сих пор праздник «грех царей». По преданию, три царя-волхва пришли поклониться родившемуся Младенцу Христу. Одной из традиций, связанных с этим событием, является запекание в праздничный пирог боба. Тот, кто обнаружит его в своем куске, провозглашается «королем» и становится председателем пиршества, на него возлагается корона, он выбирает себе королеву, остальные участвующие - его придворные. Йорданс изобразил момент пиршества, когда веселье достигло своего апогея. Каждый из присутствующих уже развлекается самостоятельно, один поет, другой играет на музыкальном инструменте, женщина поит вином маленькую дочку, мужчина в костюме шута пытается произнести речь, даже героиней на первом плане завладело хмельное настроение, и она совсем позабыла о своем разомлевшем младенце, А седовласый король уже нетвердой рукой поднимает еще один бокал. Художник пишет теплыми коричневыми и золотистыми красками, поэтому все его персонажи дышат здоровьем, а манера исполнения - свободная и быстрая. 

22. *Фруктовая лавка.

Холст, масло, между 1618 — 1621 годами, размеры: 206х342 см. Автор: Снейдерс, Франс (1579 — 1657) — мастер фламандского барокко, рисующий натюрморты и анималистические композиций. В Голландии XVII века натюрморт впервые выделился в отдельный жанр изобразительного искусства. Голландский натюрморт имел большое количество разновидностей, среди которых можно выделить цветочный натюрморт, «учёный», «кухонный», а также так называемые «накрытые столы».

Картина Франса Снейдерса «Фруктовая лавка», по одной из версий, была написана по заказу епископа для украшения столовой во дворце. В первой половине XVII века подобные картины пользовались большим спросом. 
Большую часть холста «Фруктовая лавка» занимает натюрморт из ягод и фруктов, размещенных на тарелках, в корзинах, лукошках, вазах, стоящих на деревянной широкой лавке и под ней. Здесь и яблоки, и виноград, и айва, и инжир, и малина с ежевикой и прочее. Из-под лавки выглядывают тыквы с арбузами, груши с яблоками, найдутся и гранаты, и черешня, и орехи.
Слева – жанровая сцена: хозяйка лавки предлагает товар состоятельной покупательнице. Динамичности сюжету придают бегающая у ног женщин собака, и обезьянка, которая, воспользовавшись невниманием к ней со стороны хозяйки, уже успела опрокинуть корзину с персиками. Несмотря на то, что художник не упорядочивает расположение товаров в лавке, фрукты вызывают аппетит, непременно хочется отведать все предложенное художником.

Большинство художников, писавших натюрморты, относятся к упомянутым уже так называемым «малым голландцам». В этом жанре (к ранее упомянутым, Виллему Класу Хеда и Виллему Калфу) работали Питер Клас, Абрахам ван Бейерен, Балтасар ван дер Аст, Виллем ван Алст, Ян ван Хёйсум и другие.

​

23. *Автопортрет (Рембрандт, опирающийся на барьер).

Офорт, сухая игла, 1636 год, размеры: 205х164 мм. Автор: Ре́мбрандт Ха́рменс ван Рейн (1606 — 1669) — голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи.

Рембрандт сумел воплотить в своих произведениях весь спектр человеческих переживаний с такой эмоциональной насыщенностью, которой до него не знало изобразительное искусство. Рембрандт создал замечательные произведения почти во всех жанрах, пользовался разнообразной техникой письма (живопись, рисунок, офорт). Величайший мастер, оказал влияние на многих известных художников. Ореол славы вокруг имени Рембрандта не померк и после его смерти, он получил истинное признание как один из выдающихся живописцев всех времён.

​

​24. Портрет старика в красном.

Холст, масло, около 1652 -1654 годов, размеры: 108х86 см. Автор: Рембрандт Хармес Ван Рейн. Начиная с1640-х годов, в творчестве Рембрандта, особенно в картинах на религиозные темы, значение приобретает светотень, создающая напряжённую эмоциональную атмосферу. Художника интересует потаённая суть явлений, сложный внутренний мир изображаемых людей. «Портрет старика в красном» лучший портрет Рембрандта 1850 годов. Мы видим человека, который прожил долгую жизнь, полную трудностей. На его лице можно увидеть следы тяжелых мыслей и невероятных трудностей. Лоб его изрыли невероятно глубокие морщины. Взгляд его усталый. Руки спокойно лежат на его коленях. Они говорят о персонаже не меньше чем его лицо и внешний вид. Во всем облике этого человека можно почувствовать внутреннюю силу и мощь души.

Первоначально исследователи были уверены, что на этом портрете изображен известный мудрец. Мы видим человека, который накопил солидный опыт за всю свою долгую жизнь.

Рембрандт создает максимально выразительный по силе образ, используя для этого обычные приемы. Герой находится в центре полотна, его обрамляет спинка кресла. Одежда ниспадает большими складками. Можно увидеть, что внешне он очень спокоен. Эти лаконичные детали создают подлинную монументальность шедевра.

25. Флора.

Холст, масло, 1636 год, размеры: 125х101 см. Автор картины Рембрандт Харменс ван Рейн родился в семье мельника в Лейдене, где работал примерно до 1632 года, после чего переехал в Амстердам. В 1634 году Рембрандт женился на девушке из состоятельной семьи Саскии ван Эйленбюрх, чей образ был увековечен им на многих портретах с необыкновенной нежностью и любовью. Портрет Саскии (жены Рембранта) в образе Флоры свидетельствует об этом. В 1642 году судьба наносит тяжёлый удар Рембрандту - умирает Саския. В этом же году он пишет свою самую известную картину «Ночной дозор». Композиционное решение сюжета этой картины не имеет ничего общего с традиционным групповым портретом. Картина «Ночной дозор» сейчас хранится в Государственном музее, Амстердама. Судьба произведения отчасти трагична, как и у других произведений мастера.

24. Даная.

Холст, масло, 1636 год, размеры:185х202,5 см. Ре́мбрандт Ха́рменс ван Рейн в основу сюжета картины положил древнегреческий миф. Когда царь древнегреческого города Аргоса узнал о пророчестве, согласно которому ему суждено умереть от руки сына Данаи, своей дочери, он заключил её в подземелье и приставил к ней служанку. Однако бог Зевс проник к Данае в виде золотого дождя и совокупился с ней, в результате чего Даная родила сына Персея.

 «Даная» — с момента своего создания и до наших дней испытала трагическую судьбу (картину резали ножом и облили кислотой). Её сохранность можно считать чудом. Внешний облик женщины, запечатленной на полотне, столько раз подвергался изменениям, что восстановить его первоначальный вариант теперь уже невозможно. Интересен факт, что художнику удалось изобразить на полотне одновременно жену и любовницу.   Слабое здоровье Саскии не позволяло ей родить здоровых детей – они умирали в младенчестве. Выжить посчастливилось лишь одному сыну – Титусу, но его матери это стоило жизни – в 1642 г. Саския скончалась. Служанка Гертье Диркс стала кормилицей Титуса, а вскоре и любовницей Рембрандта. Между любовниками часто вспыхивали ссоры – Гертье ревновала Рембрандта к Саскии даже после ее смерти, уж слишком явственно проступали ее черты на всех полотнах. Самое большое раздражение у Гертье вызывала «Даная», на которой Саския словно оживала. Женщина потребовала изменить ее облик, наделив её чертами. И художник уступил – он переписал картину, придав портретное сходство с любовницей. 

27. *Возвращение блудного сына.

Холст, масло, около 1668 года, размеры: 262х205 см. Автор Рембрандт Ван Рейн на картине «Возвращение блудного сына» изобразил финальный эпизод библейской притчи, когда блудный сын возвращается домой. Этот сюжет привлекал внимание знаменитых предшественников Рембрандта: Дюрера, Босха, Рубенса.

Это самое большое полотно Рембрандта на религиозную тему. На небольшой площадке перед домом собрались несколько человек. В левой части картины изображён спиной к зрителю коленопреклонённый блудный сын. Его лица не видно. Отец нежно приобнимает и касается плеч сына. Главное в картине Рембрандт выделяет светом, сосредотачивая на нём наше внимание. Бритая, будто у каторжника, голова блудного сына и его потрёпанная одежда свидетельствуют о падении. Воротник хранит намёк на былую роскошь. Туфли изношены, причем трогательная деталь — одна упала, когда сын становился на колени. В глубине угадывается крыльцо и за ним отцовский дом. Мастер поместил главные фигуры на стыке живописного и реального пространств (позднее холст был надставлен внизу, но по замыслу автора его нижний край проходил на уровне пальцев ног блудного сына).

Помимо отца и сына на картине изображены ещё четыре персонажа. Это тёмные силуэты, которые с трудом различимы на тёмном фоне, но кто они такие — остаётся загадкой. Некоторые называли их «братьями и сёстрами» главного героя. Характерно, что Рембрандт избегает конфликта: в притче говорится о ревности послушного сына, а гармония картины ничем не нарушена.

Притча о блудном сыне — одна из притч Иисуса Христа, приводимая в Евангелии от Луки. Она учит добродетелям покаяния и прощения. По мнению митрополита Сурожского Антония, данная притча «лежит в самой сердцевине христианской духовности и нашей жизни во Христе». Эта притча также «являет образ покаяния грешного человека и милосердия Божия к нему» и «призывает к покаянию изображением неизреченного милосердия Божия ко всем грешникам, кои с искренним раскаянием обращаются к Богу».

​

29. Портрет молодого человека с перчаткой в руке.

​Холст, масло, около 1650 года, размеры: 80х66,5 см. Автор: Хальс, Франс (1582/1583 — 1666) — портретист «золотого века голландского искусства». Будучи известен своей свободной манерой письма, Хальс помог ввести этот живой стиль в голландское художественное искусство и сыграл важную роль в эволюции и группового портрета.

Картина «Портрет молодого человека с перчаткой в руке» Франса Хальса — одна из двух картин, сохранившихся в Эрмитаже. К сожалению, волею судеб, Эрмитаж растерял другие его произведения. (Например, историю, о том, как была варварски украдена картина «Евангелист Лука» из Пушкинского музея по фильму теперь уже знают, наверное, все).

Начиная со времён Екатерины Великой, состоятельные люди в России очень увлекались всем французским, и не случайно Эрмитаж обладает одной из самых больших и знаменитых коллекций французского искусства за пределами Франции.

28. *Танкред и Эрминия.

Холст, масло, конец 1620 – начало 1630 годов, размеры: 98,5х146,4 см. Автор: Пуссен, Никола (1594 – 1665) — французский художник, один из основоположников живописи классицизма. Он значительную часть активной творческой жизни провёл в Риме, в котором находился с 1624 года и пользовался покровительством кардинала Франческо Барберини. Обратив на себя внимание короля Людовика XIII и кардинала Ришельё, Пусен был удостоен титула первого живописца короля.

Пуссена привлекали произведения известного поэта Торквато Тассо. Его захватывали максимальная запутанность сюжета и чудесные приключения. Ряд полотен художника как раз и написано под сильным впечатлением после прочтения этих стихов. Сюжет картины восходит к поэме «Освобожденный Иерусалим». Дочь правителя Антиохи Эрминия спешит на помощь рыцарю-крестоносцу Танкреду, раненному на поединке с великаном Аргантом.

Картина раскрывает лиризм художника. При этом рационализм уходит далеко на второй план. Его сменяет драматизм, психологизм большой глубины и напряженное переживание. Эрминия была бесстрашной предводительницей амазонок. Она была влюблена в отважного рыцаря и однажды нашла его раненным. Эрминия хочет во что бы то ни стало перевязать раны рыцаря, но под рукой у нее нет ничего подходящего. Тогда она отсекает свои чудесные волосы. В ее порыве сливается человечность и любовь. Решимости героини не мешает другая вера. Чётко выражены контрасты. Закат оранжевого оттенка вызывает тревогу и создает ощущение нависшей угрозы. Взволнованность героини передается абсолютно всем деталям.

Герои изображены по нормам классицизма. Страдание никогда не обезображивает. Позы изящны и величественны. Складывается полное впечатление, что перед нами персонажи времен античности. Тема любви и цивилизационных различий сегодня актуальнейшая.

​30. *Дедал и Икар.

Холст, масло, около1645 — 1646 годов, размеры: 190х124 см. Автор: Лебрен, Шарль (1619 — 1690) — французский художник и теоретик искусства, глава французской художественной школы эпохи Людовика XIV, когда первостепенная задача искусства заключалась в прославлении его абсолютной монархии. В основе сюжета картины «Дедал и Икар» – древнегреческая легенда об отце Дедале и его сыне Икаре, что стали символом для всех тех, кто опьянен успехом, и, как следствие, недооценивает реальное положение дел. Само же выражение «полет Икара» стало символом рискованных дерзаний. Все мы, когда слышим имя Икара, то перед нами возникает образ человека, который смело идет к успеху, независимо от всего, несмотря на риски, он в своем стремлении поднимается над обыденностью жизни.

В картине отображено мастерство Шарля Лебрена, которое он приобретал, учась в Париже и Италии, изучая античную скульптуру, произведения мастеров итальянского Возрождения и болонской школы. Лебрен – один из основателей Королевской академии живописи и скульптуры (с 1668 года – ее директор), «первый живописец короля» с 1662 года, директор Королевской мануфактуры гобеленов и мебели (с 1663). Будучи диктатором художественной жизни Франции, во второй половине XVII века Лебрен руководит созданием масштабных декоративных ансамблей Лувра, Версаля и других объектов. В собрании Эрмитажа хранится 11 полотен мастера, созданных в разные периоды его творчества. Картины на мифологические, исторические, религиозные и литературные сюжеты, а также героические пейзажи. Творчество мастера отличает ясность композиции, возвышенный образный строй, глубина философского замысла.

Большое полотно «Кавалерийская схватка» кисти Адама Франса ван дер Мейлена, придворного живописца «короля-солнце», участвовавшего во всех военных походах короля, показывает возросший в этот период интерес к батальному жанру.

Ещё один великий французский живописец той эпохи — Клод Лоррен (настоящее имя — Клод Желле (1600— 1682), который в начале своей карьеры был поваром-кондитером у одного итальянского живописца. Лорен искусно пользоваться светом, а в четырех картинах «Полдень», «Вечер», «Утро» и «Ночь», чувствуется сильное влияние английских живописцев.

Кроме религиозной, жанровой живописи и пейзажа (работы Луара, Пьера Миньяра, Себастьяна Бурдона, Филиппа де Шампеня, круга братьев Ленен, Гаспара Дюге) в Эрмитаже представлена французская портретная живопись, которая приобрела особое значение в конце семнадцатого столетия.

31. *Портрет танцовщицы Камарго.

Холст, масло, первая половина. XVIII века, размеры:45х55 см. Автор: Ланкре, Николя (1690 — 1743) — французский художник жанра рококо. «Портрет танцовщицы Камарго» — маленький портрет одной из наиболее образованных женщин 18-го столетия, известной балерины, которая ввела многочисленные новшества в балетное искусство, включая исполнение мужских балетных приемов кабриоли и антраша, используемых по сей день, а также новые прыжки, пируэты и фуэте. Мари-Анна Камарго, как реформатор балета, укоротила юбки, чтобы иметь возможность свободнее двигаться, и по свидетельствам современников часто выступала без панталон. Первая танцовщиц парижской Королевской академии музыки 18 столетия пользовалась большим успехом у публики — её грация приводила в восторг многих знаменитых людей того времени. Она также выступала как певица. Картины Ланкре Никола — живопись эпохи рококо и неоклассицизма.

Рококо (Rococo), стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века и распространившийся по всей Европе. Этот стиль отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, Рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. С барочным стилем Рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то Рококо предпочитает изящество и лёгкость. Более тёмные цвета и пышная, тяжёлая позолота барочного декора сменяются светлыми тонами - розовыми, голубыми, зелёными, с большим количеством белых деталей. Рококо имеет в основном орнаментальную направленность; само название происходит от сочетания двух слов: «барокко» и «рокайль» (мотив орнамента, затейливая декоративная отделка камешками и ракушками гротов и фонтанов.

*Великая буржуазная революция во Франции в конце 18 века знаменовала начало нового периода истории.

Король Франции Людовик XVI и его супруга с 1770 года Мари́я-Антуане́тта были осуждены Конвентом и вскоре казнёны на гильотине.

Людовик XVI (1754 — 1793) — король Франции из династии Бурбонов, сын дофина Людовика Фердинанда. Последний монарх Франции Старого порядка. При нём после созыва Генеральных штатов в 1789 году началась Великая Французская революция. Людовик сначала принял конституцию 1791 года, отказался от абсолютизма и стал конституционным монархом, однако вскоре начал нерешительно противодействовать радикальным мерам революционеров и даже попытался бежать из страны. 21 сентября 1792 года низложен. Его супруга с 1770 года Мари́я-Антуане́тта урождённая Мария Антония Йозефа Иоганна Габсбург-Лотарингская, младшая дочь императора Франца I и Марии-Терезии была признана виновной Конвентом в интервенции.

После французской революции в новом периоде истории в области духовной культуры происходит решительная борьба буржуазных политических, философских, эстетических воззрений против соответствующих устарелых воззрений феодального общества. В области духовной культуры происходит решительная борьба буржуазных политических, философских, эстетических воззрений против соответствующих устарелых воззрений феодального общества. Культура и искусство несут на себе яркий отпечаток тех общественно-политических условий, в которых происходит их развитие, и принимают активное участие в борьбе за утверждение нового общественного строя и мировоззрения. 
Барокко! С грустью оглядываясь на те времена детства и юности человеческой истории, мы восхищаемся величайшими произведениями мастеров той эпохи. Искусство эпохи «после Рафаэля», получившее ироничное название барокко - «мировой духовный недуг», прекрасно натурализмом. В нём выразилось подлинное вдохновение и таинственная магия художественного прельщения, и название этого периода уже не употребляют в прежнем порицательном смысле.

Стены Эрмитажа бережно хранят наследие минувших времён. Культовый художественный музей Санкт-Петербурга располагает огромными галереями с парадными интерьерами, уникальными экспозициями и редкими произведениями искусства. Поэтому Эрмитаж входит в список самых популярных художественных музеев в мире, а также признан одной из главных гордостей России. Напомню, что музейный комплекс включает 5 филиалов, расположенных на Дворцовой набережной. Это Зимний дворец, Эрмитажный театр, здания Большого, Малого и Нового Эрмитажа. Все перечисленные объекты признаны памятниками русской архитектуры 18 — 19 века. В них размещено более трёх миллионов картин, скульптур, предметов прикладного искусства и археологических находок.

Официально в Эрмитаже насчитывается 365 помещений с экспозициями. Однако их количество может меняться после реставрации или перенесения временных выставок. Разумеется, одного посещения, чтобы увидеть все достояния музея, не хватит…

Искусство развивает человека, его ощущения, свободу выбора, способность быть открытым всему миру, даёт возможность ярче ощущать всю его красоту, любить жизнь и заниматься творчеством. Фотография, телевидение, компьютер расширили коммуникативные возможности. Творчество стремительно создаёт и развивает Новое коммуникативное пространство, дающее уникальные возможности для развития личности и общества. Для эмоциональных восприятий всё больше используется сконцентрированная абстракция, стремящаяся к многосоставной гармони.

​